No solo de Fermín -el del banderín- vive el hombre

De Fermín Salvochea tan solo sabía un par de cosas antes de leer este libro. La primera es que fue alcalde de Cádiz, siendo uno de los estandartes del anarquismo en la España del XIX. La segunda, que el día que lo enterraron cayó la del pulpo. De hecho aún recuerdo cómo, siendo un crío, uno de mis mejores amigos soltaba aquello de “va a llover más que cuando enterraron a Bigote” cada vez que se aproximaba un tormentazo. La expresión alude al domingo del año 1907 en el que, en medio de un tremendo aguacero, enterraron a Salvochea en su Cádiz natal. Lo gracioso es que ni mi amigo, ni su familia, provienen de allí. A diferencia de mis padres, que llegaron a Valencia justo desde aquellas latitudes. Sin embargo a ellos nunca les escuché la citada expresión. El caso es que el fallecimiento del Bigote marcaría un antes y un después en la historia de la tacita de plata en dónde, aún hoy día, su recuerdo permanece indemne. De hecho hasta el actual alcalde, José María González “Kichi”, obtuvo su dosis de hostias mediáticas al cargo de La Caverna y el TDT Party, cuando decidió sustituir un retrato de Juancar por otro del primer edil de la ciudad durante la República.

Todo esto para introducir esta curiosa novela histórica de aventuras, fantasía y misterio, al más puro estilo de la literatura de género. Viene firmada por Jesús Cañadas, gestor cultural y guionista, además de escritor, que ha trabajado tanto para instituciones como la Generalitat, el Instituto Cervantes o la Feria del Libro de Frankfurt, como para la tele. La historia de un grupo de niños que, a principios del siglo XX se verán abocados a resolver un misterio que amenaza sus vidas y a la propia ciudad de Cádiz. Aunque también la del alcalde anarquista que da nombre a la novela y su barbero personal, convertidos en una suerte de cazadores de vampiros.

Con todo, lo más interesante de este libro es su ambientación. Como el autor dibuja esa sociedad gaditana de finales del XIX y principios del XX. Y como introduce diferentes leyendas de Cai, como las cuevas de María Moco y su Líber Umbrarum, el Liérganes rey de los contrabandistas, o la Bella Escondida, que al final actúan cual personajes al mismo nivel de importancia que los niños, el alcalde, o el ejército de vampiros y mojarras que desfilan a lo largo de las páginas. ¡Que son un puñao! Más de setecientas y repletas de giros argumentales además de alguna que otra sorpresa. Algunos innecesarios, la verdad. Pero bueno, la trama se sigue bien y la novela resulta muy entretenida. Se agradece además el detalle de usar un lenguaje trufado de términos gaditanos. De hecho, por lo que a mí respecta y como hijo de gaditanos, me ha encantado reencontrarme con algunos términos bastante familiares como “arreguindarse”, “carajote”, “guachisnái”, “najarse”, “jindama”, “mollate”, “pirriaque”, “saborío” o “tajarina”. Bastante divertida.

Homer y Langley, de Doctorow

Magnífica recreación de la que debió ser la fascinante, a la par que trágica, vida de los hermanos Collyer. Dos ermitaños estadounidenses que se hicieron famosos en los años treinta, merced a su carácter excéntrico y por un comportamiento similar al de quienes padecen el Síndrome de Diógenes.  Si bien, en medicina se define esto como el Síndrome de los hermanos Collyer, como ejemplo paradigmático de un trastorno obsesivo-compulsivo. No acabo de entender la diferencia entre las dos manifestaciones, pero tampoco soy médico, así que…

Se trata de una de los últimos libros publicados por E. L. Doctorow antes de su fallecimiento  en 2015. No tan aclamado como “Billy Bathgate” o “Ragtime”, en donde se forja la característica fundamental de su obra: Esa mezcla de fabulación con historia y crítica social. Por supuesto que este “Homer y Langley” no es ajeno a ese sello. Se basa en dos personajes reales que podrían representar la decadencia del Harlem blanco. Doctorow nos explica su día a día y nos hace participes de esos pequeños cambios que van transformando su existencia. La voz de Homer nos detalla la infinidad de factores que, inexorablemente, les encaminan a él y a su hermano hacia el terrible final. Pero a la vez nos trasporta a través de seis décadas de historia norteamericana. Desde las dos grandes guerras, pasando por la “Ley seca”, la persecución de los japoneses en USA, la caza de brujas, el movimiento hippie, Vietnam…. Llegando incluso a tratar la masacre de Jonestown en 1978. Si bien, aquí Doctorow se toma la licencia de alargar la vida de los hermanos hasta principios de los ochenta. Y es que la realidad nos dice que la historia de los Collyer finalizó en 1947. Unos días antes de que la policía de Nueva York, alertada por una llamada anónima, entrara en su mansión y se topara con sus cadáveres y 190.000 periódicos acumulados, entre otras muchas cosas. Algunas bien locas, como diez pianos de cola, coches desguazados o una máquina de rayos X.

“Soy Homer, el hermano ciego. No perdí la vista de golpe, fue como en el cine: un fundido lento.” Así comienza una deliciosa novelita de poco más de doscientas páginas en la que, pese a lo trágico del destino de los personajes y su estrambótico y errático comportamiento, Doctorow consigue que nos divirtamos. Y hasta que nos encariñemos con su obra y milagros.

Muy recomendable.  

El fascinante universo de Guillermo Lorca

Ya había pasado tiempo desde la última vez en que salí satisfecho de una expo pictórica. Y mucho más de que descubriera y hasta me emocionase con la obra de algún artista desconocido para mí. Hasta ahora, cuando, casi por casualidad, me he topado con la pintura figurativa del chileno Guillermo Lorca. Alguien de quien no sabía nada hasta que entré a la muestra que hay en el Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM). Un tipo arrebatadoramente joven en cuyo interior habita un imaginario fantástico –y barroco-, en donde se dan cita esos animales nocturnos que dan nombre a la exposición.   

“Animales Nocturnos tiene para mí un doble juego, por una parte es mi propia forma de ser, un creador nocturno, una persona que funciona de noche, cuando el silencio me rodea y las oscuridades y sombras se vuelven más sugerentes. Y por otro lado, están los rincones umbrosos del inconsciente y de los sueños de donde surge el material de mis pinturas. También esa búsqueda de los sutiles lazos entre la memoria y el olvido, las pulsiones y la contención, los miedos y los enfrentamientos, todo ello envuelto por la siempre hermosa y sugerente luz de la noche”

Imágenes del inconsciente, de hadas y demonios, con pasajes oníricos repletos de animales -salvajes y domésticos- combinados con innumerables objetos cotidianos. De eso va la pintura realista y a gran escala de este particular creador. Porque sí, una de las cosas más destacables es el tamaño de unos cuadros que impresionan al toparse con ellos.

La exposición del GAM se compone de diecisiete obras dotadas de ese sello bien personal en el que se respira desde la herencia de los grandes del barroco –especialmente Velázquez- hasta la visión romántica de autores como el suizo Heinrich Füssli. 
Algunas de las obras se presentan en formato un tanto más pequeño, destacando en ellas los rostros quasi feéricos de personajes femeninos en primerísimos planos, confrontados o solo compartiendo espacio con perros, gatos u ovejas. En esta categoría brillan con luz propia tres titulos: “3 niñas”, “Laura y las ovejas” y “Sofi”. Este último es, a mi modo de entender, el mejor de ellos. Con esa cría de facciones perfectas rodeada de unos canes con un gesto que se debate entre lo amenazante y lo protector.

Los cuadros de mayor tamaño suelen mostrar complejísimas representaciones de naturaleza salvaje, en las que aparecen ciertos elementos disonantes. De ahí que al contemplarlos nos pueda producir perplejidad o simplemente asombro. Fantástico resulta “Acteón”, con esa pincelada tan matérica y sobre todo por el genial tratamiento de los blancos. Aspecto este que destaca no solo aquí. También en otras obras como “La fuente”. O incluso más, ya que con la fuente y esos ciervos abrevándose, da la impresión de que Lorca se ha sacado de la manga una suerte de pintura marmórea. Qué decir de “El árbol de los gatos”, “El jabalí dorado” o “La niña de los gatos”, para un servidor lo más espectacular de toda la muestra. Y es que el del jabalí, en vivo, es acojonante. Con ese bicho cosido a dentelladas en el marco de una composición muy expresiva y en la que resaltan los amarillos intensos. También los rostros de los gatos –o de ese único gato Bombay o Habana Café que se repite- que protagonizan las otros dos pinturas, son tremebundos. Cómo el autor ha sido capaz de captar la mirada del animal y cómo esta se posa directamente sobre el espectador… Resulta casi mágico. O sin el casi.

Impresionant, xé.        

Me ha encantado lo que hace este muchacho.

Aquí os dejo un cacho del reportaje que le hicieron Federico y Comparini para el programa City Tour del C13. Maravilloso programa, por cierto.  

Fin de ciclo con Sistemas Inestables

El pasado viernes y como despedida del interesantísimo ciclo LeRock del sello chileno LeRockPsicophonique, actuaron Sistemas Inestables en la Rubén Darío de Valparaíso. Aprovechando para presentar ante el público porteño su reciente lanzamiento “O”. Un mini-epé compuesto de tan solo cuatro cortes y en el que se aprecia esa mezcla de sonidos etéreos, bizarras estructuras math-rockeras y secuencias electrónicas, que viene a ser la impronta sonora de la banda santiaguina. Lástima que tan solo yo y un par de paracaidistas más pudiésemos disfrutar del concierto. Y tiene cojones la cosa, porque encima el evento era gratuito. En fin…

Antes fue el momento de que Nicolás Aimo sacara a relucir su set de sintetizadores,  secuenciadores, ritmos electrónicos y todo la retahíla de efectos sonoros. El músico argentino también venía a mostrar su nuevo material. El que viene incluido en su segundo trabajo, “Punto Simultáneo”, una obra conceptual y electrónica que sonó a un volumen elevadísimo dentro de la sala. Con todo y aunque hubiese celebrado que el sonidista hubiese afinado más, me gustó bastante el show. Vamos que en general me convenció, saliendo de allí satisfecho. 

Desde luego mucho más que con lo ofrecido por el trío chileno. Demasiado preocupados en generar capa sonora tras capa sonora tras capa... y así ad infinitum. Amén de experimentar en el marco de esos largos pasajes instrumentales repletos de subidas y bajadas y subidas y bajadas... y cosas que se enroscan entre sí y entre asá ad nauseam... Eso sí, el sonido impecable. Por cierto que, en algún momento del bolo, se cascaron unos duelos de percusiones que me hicieron recordar esta mierda maravillosa:

Regusto agridulce que no empaña lo interesante y necesario de propuestas como esta. Ni el fantástico trabajo de un sello al que debemos cosas tan buenas como las que sonaron por aquí.

El oscuro camino hacia… la nada

Me ha vuelto a pasar lo mismo. Tantas expectativas puestas en la obra literaria de alguien, para al final toparse con esto. Porque también me habían hablado maravillas de este Wiley Cash. Fue con relación a su libro “Una tierra más amable que el hogar” y hasta me llegaron a convencer. ¿Cómo no? Un tío que debuta con una historia a mitad de camino entre el suspense y el realismo mugriento, que se desarrolla en la América de los perdedores y con tres narradores que se alternan por capítulos, debería de molar. ¿O no? Porque ahora ya lo dudo. Y vale, es cierto que no me la he leído. Ni creo que la lea. Pero también que por culpa de esa recomendación, me fijé en que tenía a mano un libro del mismo autor. “El oscuro camino hacia la misericordia”, que así se llama la segunda novela de este cuarentón oriundo de Carolina del Norte. Y, ¡oh! ¡Sorpresa! también es un thriller. Amén de una novela de carretera que se desarrolla en torno a ese tipo de personajes que pululan por el reverso de la América de postal. Y con un relato a tres voces del cual participan la buena, el no tan bueno y el malo de cojones. Y las críticas que he leído también la ponen por las nubes. Vamos, casi la misma mierda.

A ver, dejemos clara una cosa: se nos está yendo la olla con esto de las novelas de losers y estamos usando por encima de nuestras posibilidades tanta referencia a góticos sureños y agujeros ponzoñosos donde hay más mierda que en el palo de un gallinero. Eso por no hablar de ciertas comparaciones que producen vergüenza ajena. Y es que joer, el argumento de “El oscuro camino hacia la misericordia” no podía estar más trillado. Un perdedor sin futuro que se echa a la carretera junto a sus hijas tras sonreírle la fortuna por una vez. Mientras tanto, un ex policía ludópata y un matón de bolera le persiguen para recordarle que la suerte nunca dura mucho. Todo ello entre campos y moteles de Carolina del Norte. Y con el trasfondo “original” de la mítica pugna entre Sammy Sosa y Mark McGwire para ver quien bate antes el récord de jonrones. Beisbol macho, beisbol… En fin.

No me ha gustado, como es evidente. Aunque el tono narrativo no es malo del todo. De hecho la novelilla es de fácil lectura y se consume en tres tardes. Pero ni sorprende ni deja poso. Y es que “El oscuro camino hacía la misericordia” es otro peso pluma más dentro de un género más manoseado que la barra de sujeción de un EMT.

Ah! No iba a decir nada, pero si no lo hago reviento. ¿Historia a medio camino entre “Matar a un ruiseñor” y las páginas más negras de Cormac McCarthy? ¡¡¡Anda ir a cagar cabrones!!!

...y otra tanda más o da' best albums of 2018 pa' este menda (so far) - 3ª parte

The Jayhawks. “Black Roads and Abandoned Motels”

El décimo álbum en la trayectoria de la banda de Minnesota, es un nuevo muestrario de esa luminosidad melancólica marca de la casa. Un rasgo que viene caracterizando su música desde tiempos inmemoriales y que los hace no grandes, sino enormes. Y ello con o sin Olson a los comandos, mal que le pese a demasiado crítico profesional. Conste que yo también prefiero aquellos Jayhawks. Eso y que parece evidente que este disco no alcanza el nivel de las obras surgidas durante el periodo bifronte. Quizás acercarse a ese horizonte resulte imposible. Pero de ahí a afirmar que estamos ante un disco mediocre, un refrito de cosas o, como ha insinuado alguno, la última mierda que cagó Pilates, pues como que no lo veo. Lo cierto es que “Black Roads and Abandoned Motels” me parece un trabajo notable y hasta glorioso en algunos de sus mejores momentos. Que tampoco es fácil determinar cuáles son, ya que el nivel de las once canciones es sumamente parejo. Para bien, se entiende. Casi todas ellas compuestas a medias con otros artistas. Al parecer con la intención de ser interpretadas por esas voces. Las de Jakob Dylan, Dixie Chicks o Ari Hest entre otros. Supongo que también molaran en boca de los susodichos. Pero no tanto como cuando las canta Gary Louris. O Karen Grotberg y Tim O’Reagan que aquí participan y mucho de la fiesta.

Profligate “Somewhere Else”

Estos nuevos Profligate, erigidos en dúo después de que Noah Anthony haya invitado a subirse al carro a Elain Khan, resultan mucho más interesantes que cuando publicaron “Videotape” o “Finding the Floor”. Como en ese pasado aún reciente, la cosa sigue transitando por los derroteros del ambient, lo industrial y hasta la EBM. Si bien, ahora todo se torna un tanto más denso y oscuro. Y medido y lúcido y tenso y angustioso y nosecuantas cosas más. Deslizándose hacia postulados propios de la darkwave que le sientan la mar de bien. Las texturas y sonidos que lo componen, esos ritmos repetitivos y pegajosos, las disonancias, los zumbidos y crujidos, el juego de voces chico – chica, que en la mayoría de las veces no es más que un spoken word susurrado, hacen que la escucha de este álbum se convierta en una experiencia sumamente especial. Maravilloso rompecabezas sonoro. 

Dead Combo “Odeon Hotel”

Accedí a lo nuevo del dúo lisboeta, aquí en modo orquesta tras la incorporación de varios invitados, gracias a Bboyz como en tantas otras ocasiones. No es que no les conociera. Cuestión esta imposible tras su aclamada participación en aquel maravilloso programa gastro-viajero que conducía el fallecido chef Anthony Bourdain. Lo que pasa es que nunca me los tomé demasiado en serio. Eso hasta ahora y gracias a la aparición de este tremendo “Odeon Hotel”. El séptimo elepé de una banda cuyo sonido transita entre la música para películas, el rock sahariano, el fado, los spaguetti western e incluso esa cosa a la que llamamos americana. Gótica en el caso de “I Know, I Alone”, una de las mejores canciones del álbum y que cuenta con la voz cavernosa de Mark Lanegan al frente. ¡Recitando un poema de Pessoa en inglés! Otras de mis favoritas son “In a Mellotron”, “The Egyptian Magician” - que también recuerda un poco a los Gutter Twins, aunque aquí no cante ni Lanegan ni Dulli ni nadie-, o “Theo’s Walking”. 

Jim James “Uniform Distortion”

Como diría mi amigo Txarls, Jaime al cuadrado nunca decepciona. Ya sea con su banda madre, en proyectos colaborativos o en solitario -como en el caso que nos ocupa-, el músico de Louisville siempre tiene buena mierda para ofrecer. Y eso que en este “Uniform Distortion” se muestra mucho menos experimental que en trabajos anteriores. Porque, digámoslo ya, estamos ante un disco de lo-fi guitarrero que transita por los derroteros del rock gringo de toda la vida. Indicado tanto para fans de Neil Young como de los Drive-by Truckers, si es que se puede ser fan del uno y no de los otros. El caso es que, al menos yo, le agradezco que en este momento de la vida se haya dejado de pajas mentales y nos entregue algo tan crudo, rápido y, en definitiva, rocker como este trabajo. El quinto en la trayectoria en solitario del amigo Yim, si incluimos los dos álbumes de versiones que publicó en los años 2007 y 2017. Y sí, por si no se notaba, certifico que me encanta. Creo que es su mejor obra desde aquellos primeros elepés de My Morning Jacket. Uno de los claros aspirantes a disco del año para esta bitácora. 

Ovlov “Tru”

Delicioso ejercicio de nostalgia noventera el que nos regala este cuarteto de Newtown, Connecticut. Un disco labrado a base de guitarras pesadas y con una sensibilidad que se haya a mitad de camino entre el shoegaze de gentes como My Bloody Valentine y el indie-rock de iconos de (mi) juventud como Pavement o Dinosaur Jr. Muy especialmente en lo que respecta a este último y es que, si lo que suena en canciones como “Short Morgan” no es la jazzmaster de J. Mascis que baje Dios y lo vea. Y si tiene huevos que me lo refute. Le doy también la razón a Bboyz en lo de Cloud Nothings. Dylan Baldi podría formar parte de Ovlov y a nadie nos extrañaría. En definitiva, que siempre es un placer toparse con este tipo de sonoridades que tantos buenos recuerdos me traen.

La Ciencia Simple “III V VII”

De las bondades de este “III V VII”, tercer disco en la aún corta trayectoria de los santiaguinos La Ciencia Simple, ya di buena cuenta por aquí. Fue con motivo del apabullante directo ofrecido en la Sala El Farol de Valparaíso a finales de agosto. Venían justamente a presentar este álbum. Un ejercicio de rock instrumental y experimental en el que las atmósferas y los muros de sonido son la punta de lanza.  Un trabajo tremebundo en el que se aprecia la huella de Explosions in the Sky, Duster, el narkopop de Wolfgang Voigt, Slowdive y los primeros This Will Destroy You.

Ought “Room Inside the World”

Ought es la banda de Tim Darcy, trasunto escuchimizado de Joseph Gordon-Levitt que durante el pasado año debutara en solitario con “Saturday Night” (Número 16 en mi lista de Lo milloret de lo milloret 2017). Y la verdad es que poco o nada tiene que ver aquello con esto. La actitud crooner del artista canadiense en su faceta de solista, se diluye en un proyecto como el de Ought, instalado en la vanguardia del post-punk modernete desde hace tres discos. Con ecos a los últimos Girls Names, también a Editors, pero sobre todo a los primeros álbumes de Interpol. Más en lo que respecta a “Antics” y al “Our Love to Admire” que a “Turn Out the Bright Lights. Lo cierto es que la banda de Montreal no aporta nada nuevo al género. En el caso de este disco, incluso renuncia a la senda “experimental” emprendida con “Sun Coming Down”. Entonces se dijo –y así lo parecía- que estaban tratando de desarrollar un sonido algo más alejado a la lógica del género. Pero poco o nada queda de aquello. Aunque tampoco importa. Creo que con “Room Inside the World” han facturado un disco notable que funciona a la perfección desde la primera a la última canción. De hecho a mí me gustan más estos Ought “convencionales”. Entre otras cosas porque creo que es en esta versión, cuando más brilla la profunda voz de Mr. Darcy. Que al final, como diría el tío de “Sinopsis de Cine”, es lo que le da calidad a la película. 

Moaning   s/t

Más post-punk, aunque no sé si tan formal como os decía del disco anterior. Sí que resulta un tanto más enérgico y oscurete. Banda que surge de Los Ángeles, California, aunque parezca raro. Una formación que, tal como anticipan con la elección del nombre, sustenta su sonido en el gemido de guitarras y en una dimensión vocal bastante fría y lineal. Con esos ingredientes acaban definiendo una fórmula que en ocasiones me recuerda a los suecos Holograms, pero en otras a los primeros The Pains of Being Pure at Heart. Antes de que la china se tirara del carro en marcha. También a algún que otro icono de la milonga shoegazer (je je). El caso es que para ser unos pipiolos y este su debut, se les ve curtidos. Desde luego el que debería pasar a la historia como su álbum homónimo, destila robustez por los cuatro costados.    

Lucrecia Dalt “Anticlines”

Anduve bastante colgado de este extraño disco de electro-pop espacial tras el que se esconde una ingeniera colombiana residente en Berlín. Lo etiqueto así por decir algo, ya que lo que suena en los catorce cortes que integran “Anticlines” puede definirse tal como yo lo he hecho, o de cualquier otra forma y tampoco pasaría nada. La cosa va de zumbidos, crujidos, frotado de copas, ruido de grillos, pequeñas explosiones, goteos y hasta gorjeos, theremines, sintetizadores… Por encima de todo eso, se respira un halo de misterio que en ocasiones recuerda a la mismísima Juana Molina. Si bien, lo que hace Lucrecia Dalt suena más extraño que cualquiera de los discos de la multifacética artista argentina. Supongo que se trata de explorar. O de explorarse. Y que mejor manera de hacerlo que tirando de los conocimientos adquiridos cuando uno es un profesional de la ciencia. No solo como herramienta a la hora de componer, sino también en aras a construir un imaginario propio. En consonancia, la parte vocal resulta fundamental. Con esos spoken words en los que la colombiana tira de jerga geológica y nos adentra en los mundos de la física. Insondables para mí. Si bien, aunque no entienda un carajo, mola un puñao. Believe in me.

Zu93 “Mirror Emperor”

Siempre es grato reencontrarse con la poesía del señor David Tibet. Cierto es que la tenía aparcada desde hace tiempo y ni tan siquiera soy capaz de recordar la última vez que me paré a escuchar alguno de sus trabajos con Current 93. Con todo, el haberme topado con este proyecto colaborativo entre el músico británico y la banda italiana Zu, es de lo mejor que me ha pasado durante el 2018. En lo musical, se entiende. Esta forma de compartir galones se ha concretado en un álbum con aires neofolk, que destaca principalmente por sus atmósferas densas. Con una instrumentación clásica de cuerdas muy delicada y una percusión bastante suave, sobre la que se vierte la voz desgarrada de quien estuviera con los seminales Psychic TV. Aunque “Mirror Emperor” también incluye sus momentos de electricidad. Pero para nada rompen con el concepto en torno al cual pivota todo el disco. Ni con las soflamas de este pastor laico al frente de una orquesta de cámara pagana. Podría haber sido la banda sonora de las huestes de Juliano “el apóstata” durante la batalla de Ctesifonte. ¡¡¡No flipo yo ni ná!!!

John Prine “The Tree of Forgiveness”

No he seguido demasiado la trayectoria de John Prine. Su obra no me es absolutamente ajena, pero os mentiría si dijese que es uno de mis folk-singers favoritos, de los que nunca se me pasa un lanzamiento. También es verdad que cuando el tipo comenzó a grabar discos este menda ni había nacido. Sin embargo, con este último, que debe ser el veintitantos en su larguísima trayectoria, ha conseguido tocarme en lo más profundo. Y es que estamos ante un trabajo de una sensibilidad y con un lirismo primoroso. Un álbum que debería hacer las delicias de todos aquellos que se declaran amantes del folk de raíces y del country a bajas revoluciones. Bueno y de la música en general…qué collons!!! Álbum redondo y muy, pero que muy, bonito. Otorgándole toda la profundidad que se le puede dar al término. O sea, que no solo resulta agradable, útil, satisfactorio o importante, sino que es bello. Enormemente bello. Y es que hay momentos en los que escuchar a John Prine recitando estrofas, me ha recordado al último Johnny Cash. Poca broma. Escuchad “Lonesome Friends of Science”, por poner un ejemplo. O “No Ordinary Blue” que es la que va justo después. También hay algo de Dylan por ahí. …’enga vaaaa… Ya lo dejo.

King Dude “Music to Make War to”

Dejé escrito en alguna red social, que este es el mejor disco publicado jamás por el rey coleguita. Al nivel de sus colaboraciones con Chelsea Wolfe y por encima del “Songs of Flesh & Blood – In the Key of Life” (2015) que era mi favorito hasta la fecha. Igual me dejé llevar por la pasión y obnubilado ante la grandeza del nuevo material, hice de menos cosas como las ya mencionadas, o aquellos maravillosísimos “My Beloved Ghost” del 2010 y “Burning Daylight” del 2012. Y es que lo de este gachón es muy grande. Surgido de los poco delicados ambientes blackmetaleros para emprender un proyecto como este, a medio camino entre el neofolk y la americana. Cruce imposible entre Johnny Cash y Death in June, pasando por el reverendo Edwards y sus misas oscuras al frente de Wovenhand. Lo que hace TJ Cowgill con estas canciones para la guerra, es ofrecernos la banda sonora alternativa de aquella primera temporada de “True Detective”. La buena. Y con todo el imaginario del gótico sureño a su disposición. Al menos hasta mitad del álbum. Bueno y también con ese tremendo corte final que es “God like me”. Lo otro es una suerte experimentación con elementos glam-roqueros -y hasta cabareteros- bastante chula, la verdad. Vamos, que igual me pasé aseverando que estábamos ante lo mejor de King Dude, pero nunca tanto. Me reafirmo en que es una puta maravilla cortada en diez trozos. Un trabajo absolutamente cautivador.  

Juliana Hatfield “Juliana Hatfield sings Olivia Newton-John”

Vale sí, esta elección chirría por los cuatro costados. Pero es que me parece tal marcianada y quiero tanto a la Hatfield y a la Olivia, ¿qué cómo no me iba a gustar? Bueno, antes que nada y en lo que respecta a la rubia protagonista de “Grease” tengo que matizar. Supongo que la atracción viene más por un rollo de sexualidad adolescente que por cualquier otra cosa. Y es que, por mucho que me esfuerce -¡y os juro que lo he hecho!-, soy incapaz de ver del tirón ninguna de sus películas bailongueras -¡Perdóname Travolta!-. Una vez expuesto esto, vamos al tomate. Y por supuesto que en el caso de Juliana Hatfield no hay justificación ni tampoco medias tintas. Me declaro incondicional de la de Maine. Con o sin trío, a cuatro manos junto a Paul Westerberg, o con los olvidados Blake Babies, por la Juli yo mato. O como se dice por estos lares, me agarro a combos con quien se tercie -weón culiao CTM!!!-. El disco viene a ser una relectura de catorce temas de pachanga popera que la actriz y cantante australiana compuso –o le compusieron- entre los años setenta y lo primeros ochentas. Una mierdaca de repertorio vaya. Aun así mola como la Hatfield es capaz de dignificarlos, llevándolos a su territorio. En alguna ocasión, como con “I Honestly Love You (Reprise)”, “A Little More Love” o “Xanadu”, los julianiza hasta tal punto que no desentonarían en cualquiera de sus discos de los noventa. Luego hay otros cortes, como “Dancin’ ’Round and ‘Round” o “Make a Move on me”, que podrían venir firmados por la mismísima Courtney Barnett. Y no es broma.  

Los Andes “Obras Cumbres”

Bonito ejercicio de armonías vocales y melodías tarareables el que protagonizan estos veteranos de la escena bonaerense. Un cuarteto de músicos que confluyen aquí por vez primera para componer este álbum de power pop enérgico y de adhesión instantánea. Con un apreciable repertorio de diez canciones de su propia cosecha, a las que suman un par de versiones de Phonograph y Teenage Fanclub. Todo ello ejecutado a cuatro voces y en un bonito castellano con acento trasandino. Disco facilito y resultón. Me encanta la portada con esa cordillera compuesta a base de deliciosos volcanes de manjar recubiertos de chocolate.  

Chastity “Death Lust”

Como le leí a algún fenómeno en tuister o en llutuve, esto de Chastity viene a ser una reinterpretación del universo Deftones hecha para millennials. ¡¡¡Pero como chanan mondié!!! Es que suenan tremendos. O suena, dicho en singular, ya que detrás del proyecto tan solo anda un chavalín, bastante amargao, nacido y residente en un poblacho de Ontario. Alguien cuya voz y en sus momentos más sosegados, me recuerda a David Bazan. Tanto que, al escuchar canciones como “Suffer”, fantaseo con la posibilidad de que el ex Pedro the Lion la hubiera compuesto. Aunque para eso debería haber nacido metalero y no haberse caído dentro de la marmita del slowcore. Ya sé que lo flipo, pero me divierto. “Death Lust” parece el típico disco de angustia adolescente hecho por un crío con talento y muchísima actitud. ¿No os suena a aquello que surgió en Seattle a comienzos de los noventa? Pues eso. Un joven cabreado con el mundo que le ha tocado vivir y que es capaz de combinar a los mencionados Deftones, con la faceta más guitarrera de Smashing Pumpkins. Algo bastante evidente en ese temazo que es “Children”, posiblemente el mejor corte de todos. También le veo algo de los Stone Temple Pilots en “Heaven Hell Anywhere Else”. Buen pepino, sí señor.

Ty Segall “Freedom’s Goblin”

Como viene siendo la tónica habitual, la vendimia en Viñas del Ty está resultando altamente satisfactoria durante este ejercicio que aún no acaba. Desde aquellos parajes sitos en algún lugar de California, su enólogo estrella nos ofrenda otra magnífica gama de productos entre los que se incluye un entretenido ensamble. El “Joy”, de color picota garagero y ribetes psicodélicos. Intenso en nariz, fresco en boca, con unos taninos más pulidos, fruto de la participación del enólogo Tim Pressey, pero con ese punto de acidez tan del rubiales de Laguna Beach. Con todo, lo más interesante en la producción 2018 de esta reputada bodega, lo hayamos en “Freedom’s Goblin”. Ambicioso producto que ahonda y mejora todos aquellos aspectos que hacen que los caldos de esta viña sean una referencia ineludible para cualquier wine lover. Excelente mejunje en donde la sensibilidad melodiosa que Segall ha cultivado durante años, ha florecido por completo. Manteniendo intacto ese paso fresco, frutal, con buena acidez y de sensaciones golosas que forma parte de su espíritu primordial. Un gran vino de fácil y buen beber y como siempre a un gran precio. ¡Encima esta vez viene en formato jeroboam! “Viñas del Ty” confirma que siempre es un valor seguro.

Alberto Montero “La Catedral Sumergida”

Una de las cosas que más lamento de estar a un océano de distancia de la tierra que me vio nacer, es no poder asistir a las presentaciones en directo de “La Catedral Sumergida”. Esas performances con acompañamiento orquestal, desarrolladas en maravillosos parajes poco habituales para estas lides, como son Les Coves de Sant Josep en la Vall d’Uixò o el teatro romano de Sagunto. También en la Capilla del Corpus Christi del Convento de Vila Nova de Gaia, que visto desde aquí, tampoco me quedaba tan lejos. El caso es que me encanta la voz grave y esa preeminencia del piano tan definitoria en la música del artista del Puerto de Sagunto. Esa forma tan particular de interpretar el mundo y entender la música. Con letras llenas de poesía y simbolismos, en el marco de unas composiciones que recogen influencias bien dispares y que van desde la psicodelia mediterránea, hasta el folk latinoamericano, pasando por el ñoño pop de las Vainica Doble o la música de cámara y de liturgia medieval. Una aventura musical que, en esta ocasión, parte de una reinterpretación libérrima al Preludio nº 10: La Cathédral Engloutie, de Claude Debussy. Si bien, alla maniera di Alberto, como no podía ser de otra forma. Configurando un ramillete de paisajes que a veces resultan acogedores y otras un tanto más áridos. Precioso álbum para tumbarse en la cama y dejarse embargar.

Fantastic Negrito “Please don’t be Dead”

El compadre Xavier Amin Dphrepaulezz, que así se llama el menda, es un nigga

 with actitude de Oakland. Un buscavidas que se ha pasado la vida luchando contra el prejuicio, las malas decisiones y la droga, agarrándose a la música como única tabla de salvación. Lo que pasa es que, a diferencia del Dr. Dre o Ice Cube, a este muchacho le iban más los guitarrazos que los beats, de ahí que se decantase por esta fórmula de blues rock vitaminado que bebe del legado de gentes como R.L. Burnside. Y que entronca con la fórmula que también practican otros hermanos de luchas como Benjamin Booker, John the Conqueror o Amos Lee (excepto en lo último que ha grabado). Todo comenzó hace un porrón de años, pero no estallaría hasta hace tres. Tiny Desk (¡y Bernie Sanders!) mediante, el fantástico negrito pudo salir del ostracismo y mostrarse en todo su esplendor, lo cual queda confirmado con este, el segundo elepé de la nueva etapa. Once cortes de eso que el gusta en llamar “rock de raíces negras para todos”. Vamos, el mencionado blues-rock de toda la vida, con un delicioso toquecito funky y una actitud bastante punkarra.         

Bonny Doon “Longwave”

Lo de estos chicos es lo-fi enriquecido con una ligera sensación de indolencia en la ejecución. Lo cual, curiosamente, resulta la mar de agradable. En línea con lo que practican otros grupos del momento como Nap Eyes. Además de mostrar una evidente afinidad con la cara más intimista y hogareña del Bill Callahan solista. Delicado segundo trabajo al cargo de una joven banda proveniente de Detroit y a quienes conviene no perder la pista.

The Sha La Das “Love in the Wind”

A estos les he descubierto hace bien poco y gracias al Facebook de la Menahan Street Band. Un debut de campanillas el de esta banda compuesta por tres talentosos hermanos de Staten Island, junto al patriarca del clan familiar. Acompañados para la ocasión de un buen número de músicos del sello Daptone, entre ellos, además de miembros de la banda de la calle Menahan, The Dap-Kings y hasta el puto Charles Bradley. Once temas que transitan por entre los senderos del soul, el blues y hasta el doo wop y en los que destacan, por encima de todo, las bellas armonías vocales entonadas por los muchachos Schalda.      

Drake “Scorpion”

Drake me ha molado de siempre y no me pienso justificar por ello. El rapero canadiense publica este 2018 el que viene a ser su quinto álbum de estudio, siendo lo mejor que le he escuchado hasta la fecha. Y no se hable más. Un trabajo pantagruélico compuesto por veinticinco cortes al que no le sobra ni una frase. Estructurado en dos partes bien diferenciadas. La primera, que es la mejor, más jipjopera si se quiere y la segunda, más en la onda del R&B y el pop practicado por los fellas del Drake. “…I'm sick of these niggas (sick)… Sick of these niggas (sick, sick)… Hire some help (help)… get rid of these niggas (grr)… Fuck what it was… it is what it is (what)... Whatever you did… it is what it is…” Tremendo nomás. ¿El tipo es un payaso? Sí. Como el Kanye. Si salió del instituto Degrassi, qué voleu? Pero que más dará… “It’s the song, not the singer”.

Rolling Blackouts Coastal Fever “Hope Downs”

Emocionante descubrimiento el de esta banda australiana incluida en el catálogo de Sub Pop. Y sí, ya lo sé listillos, pero cuando hablo de descubrimiento me estoy refiriendo a mí. Y es que no está tan alejado ese tiempo en el que la música de RBCF permanecía oculta a mis orejas. Y es penoso, porque ese nombre tan sugestivo y molón merecía un esfuerzo e indagar hasta llegar a esos dos maravillosos epés con los que se dieran a conocer. El caso es que bien está lo que bien acaba. O más vale tarde que nunca. Lo importante ha sido poder disfrutar a tiempo de los once cortes que integran el primer largo del quinteto de Melbourne. Un gran álbum de pop con guitarras que se entrelazan, una y otra y otra vez, con las voces de sus tres vocalistas. No podían faltar los ritmos frenéticos escuela aussie. Ni esas suaves melodías que no desentonarían en cualquiera de los álbumes de los Go-Betweens. Amén de una fórmula que los emparentaría, forzando un poco, con sus también paisanos The Goon Sax. Saliéndonos ya de Australia y prescindiendo de fórceps, algo se respira de aquellos primeros Strokes.  

Damien Jurado “The Horizon Just Laughed”

Que voy a decir yo de un hombre cuyas melodías me han acompañado desde sus comienzos. Alguien a quien adoro por su música y al que, además, guardo un cariño especial. Y un imprescindible dentro de la escena mundial desde hace mucho. De ahí que me resulte difícil no entregarme a cualquiera de sus trabajos. Sobretodo sabiendo que la impronta se va a mantener y los nuevos temas transmitirán su inconfundible personalidad. El nuevo álbum tuvo como tarjeta de presentación un temarro como “Percy Faith”. ¡Qué mejor manera de anticipar toda la grandeza de lo que venía a continuación! Porque “The Horizon Just Laughed” incluye otra preciosa colección de canciones en clave folk al estilo Damien Jurado. Es decir, con esa capacidad de sobrecoger que solo él tiene. No faltan aquí esas cadencias jazzísticas que comenzaran a colarse en su música desde hace un par de álbumes. Acercándose incluso a la bossa nova en un tema como “Marvin Kaplan”. Imperdible como siempre.   

Lurk “Fringe”

Y ya para acabar una buena ración de metal seis o siete –u ocho, o nueve, o diez…- punto cero. “Fringe”, que así se titula el álbum, es una colección de ocho cantos fúnebres en el marco de atmósferas opresivas y pesadas. Las que dibujan unos tíos que atienden al nombre de Lurk y se ubican en Tampere. Death, Doom, Sludge Metal y demás mandangas tan del gusto del público escandinavo y también de quien suscribe estas líneas. Ecos que van desde Neurosis hasta los primeros Paradise Lost. De hecho esta última influencia es la que más me aproximó al disco, el tercero en la carrera de los fineses. Y es que soy fan absoluto de la banda de Halifax en todas sus etapas y transiciones, por muy extrañas que hayan sido a veces. Grata sorpresa la de estos Lurk xé.

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