El puente de Mostar

Cuentan que Mimar Hayreddin, el arquitecto, pirata y almirante turco que ordenó construir el puente de Mostar, se quedó contemplando su obra durante mucho tiempo. Tanto que al final le encontró un defecto. Después de eso ya no pudo construir nada más. Muriendo apesadumbrado por lo que el consideró un fracaso. El caso es que no debió de fijarse bien. O eso, o tenía problemas de vista.

Han surgido muchas leyendas alrededor de la construcción del puente. Se dice que tras un primer intento, en el que toda la estructura se vino abajo, el sultán otomano amenazó con decapitar a Hayreddin si fallaba en una segunda oportunidad. Con esa presión sobre su cabeza, el arquitecto prefirió observar cómo se retiraba el andamiaje desde una distancia segura, preparado para huir. Los obreros estaban tan enfadados con él, que emparedaron a su esposa dentro de uno de los soportes, para que pudiese observar el puente por siempre jamás. Sin embargo el puente no se cayó... Hasta 1993.

El Puente Viejo -Stari Most o Стари Мост-, fecha su construcción en 1556. Tiene una anchura de cuatro metros y una longitud de veintiocho, uniendo las dos orillas del río Neretva. Lo flanquean dos torres cuadradas, la Torre Halebija y la Torre Tara, añadidas en el siglo XVII, aunque hechas con la misma piedra que se usó para construir el puente. A pesar de ser dinamitado en el año 1993 durante la guerra, hoy en día luce en pie gracias a la UNESCO y al Gobierno de Turquía, que financiaron un largo trabajo de reconstrucción a la vieja usanza. Un proceso en el que se utilizó el mismo tipo de piedra e idénticos métodos que en la construcción original. La inauguración se produjo en el año 2004 con la presencia de los tres presidentes que tiene el estado bosnio, por lo que entre la población local circula un chiste que establece que, si el puente ha sido capaz de soportar a los tres políticos juntos será capaz de aguantar cualquier cosa y nunca se derrumbará.

Sin embargo, la importancia del puente va mucho más allá de aspectos puramente arquitectónicos o artísticos. Declarado Patrimonio de la Humanidad, es considerado como un símbolo de la sociedad multiétnica de Bosnia y de la paz entre pueblos. De hecho, su destrucción por parte de las fuerzas militares croatas -pese a que todo el mundo crea que fueron los serbios-, ilustra cómo fueron las relaciones entre los bosniacos musulmanes, los bosnio-croatas católicos y los serbo-bosnios ortodoxos. Desembocando en una cruenta guerra fratricida que aún hoy día avergüenza a Europa.

Como ya os comenté en un post reciente, yo anduve por allí y la verdad es que emociona estar sobre ese pedazo de historia. Impresionante. Confiemos en que a ningún cafre, en forma de político demagogo o de líder populista defensor de no sé cuáles esencias de mierda, se le vuelva a ocurrir que hay motivos para dinamitarlo.

Crítica de cine: Van Helsing

Es una puta mierda.

Ale, adiós...

Hablemos de Pressing Catch

“En este deporte sufrimos seis personas: yo, tú, él, nosotros, vosotros y ellos.” (Héctor del Mar).

¿Quién no se acuerda del “Pressing Catch”?

Su irrupción en nuestras pantallas, en los primeros noventa y de la mano del Telecinco de las Mamma Ciccio, fue todo un acontecimiento. Recuerdo que en aquella época, era habitual entre la chavalada emular las patadas voladoras de El Último Guerrero o las sentadillas de Terremoto-Erjcueik. Y discutir absurdamente sobre la verosimilitud de este pseudo-deporte. Porque los había que defendían que el espectáculo era real, aunque ahora lo nieguen. Y eso a pesar de que en esta mezcla de teatro y circo era fácil prever quienes iban a ser los vencedores y los vencidos. Vaya, que no hacía falta ser un lince para apreciar la fullería. 

¿Qué me decís de aquellos combates míticos entre El Último Guerrero y Hulk Hogan? ¿Y de la Wrestlemania? ¿Y cuando les dio por darse de hostias enjaulados? Aunque mi mejor recuerdo son los combates de parejas. ¡Me encantaban! Con equipos míticos como La Fundación del Corazón, Demolition, Legion of Doom o los inolvidables Sacamantecas, quienes según Héctor del Mar eran unos gemelos neozelandeses trabajadores de una plantación de kiwis que habían decidido probar fortuna en la WWF (¿?).

Soy consciente de que escribo esto embriagado de nostalgia juvenil. Que aquello nunca fue para tanto. Pero aprovechando que las nuevas generaciones se han vuelto a enamorar del Pressing Catch, en su versión actual, a través de tipos tan anodinos como el campeón John Cena, Dwayne “The Rock” Johnson (trasunto de actor de quien ya os hablé por aquí), o incluso el ex campeón mundial de los pesos pesados Mike Tyson, es de justicia reivindicar la figura de aquellos. De los buenos. De los de mi época. Los viejos roqueros que, al contrario de lo que afirma el refrán, sí que mueren… O se vuelven majaras. Como El Último Guerrero, que ahora se ha puesto corbata y se dedica a hacer cosas fachas.

No es broma. Jim Hellwig, que así se llama el menda, y que evidentemente no era un indio navajo de pura cepa, en la actualidad da charlas en las que expone su marcado perfil derechista y homófobo. Soltando perlas del tipo: “el mundo estaría muerto si todo el mundo fuera homosexual” o “el mariconeo hace que el mundo no funcione”. ¡Joder con El Último Guerrero! Un tipo que se ganaba la vida ataviado como un maricón de playa, con ese cardado rubio y el fardapollas fosforescente, sobre un cuerpo esculpido a base de horas de gimnasio y moreno rayos uva, va por la vida dando lecciones de moralidad a la antigua a jóvenes estudiantes. Chalao es poco. Parece que en aquel “baile de San Vito”, ineludible preludio a su victoria sobre el rival, había algo más que show. Pero es que encima al tío le pagan y muy bien por esto. Que digo yo que las Universidades americanas, con tanta fama y tanta polla, se deberían hacer mirar a que personajes contratan para dar conferencias… El Último Guerrero, Aznar… ¿Quién será el siguiente?

¿Qué me decís de su archirrival? El gran Hulk Hogan, principal artífice del despegue comercial de este espectáculo de lucha libre. Con su ruptura de camiseta previa, marca de la casa y el sempiterno pañuelo en la cabeza que, seguramente escondía una alopecia indeseada… ¡Que maravilla! Y vaya, que sí, más de una vez me quedé con las ganas de que alguien le arrancara el puto pañuelo para ver que había debajo. Tengo la convicción de que el bueno de Nick Bollea tenía la quijotera más lisa que el culito de un bebe. Y esa melena rubia que le salía por detrás cual lerele tintado de rubio, estaba fijada al pañuelo, como una de esas gorras con rastas que se venden en los tenderetes playeros. O eso o Nick aka Hulk lucía un Carlos Núñez a la californiana, que también podría ser. Lo cierto es que al poco, por alguna lesión que desconozco o simplemente por un tema de edad, dejó de practicar el deporte que lo encumbró. Como no estaba dispuesto a salir de las pantallas y sus incursiones en el mundo del cine no dieron para mucho, se montó un reality en el que mostraba su vida familiar. Junto a su inolvidable hija Brooke, que hizo las delicias de una generación y media de adolescentes pajilleros.

¿Y los demás qué? Pues aquí la cosa se pone seria. Algunos como “Bam Bam” Bigelow -aquel gordo con la cabeza tatuada y vestido con un traje flamígero-, Curt Henning “Mr. Perfect” -el rey del tinte de pelo y de eterna sonrisa- o Richard Hood “El Cariñoso”, murieron de sobredosis. Otros como André “El Gigante” o “El Poli Loco” lo hicieron de paro cardiaco recién ingresados en la cuarentena. Lo cual no creo que extrañe a nadie. Con las cantidades de esteroides y anabolizantes que se tomarían estos mostrencos hipermusculados, era lo menos que les podía pasar. Luego está lo del no suficientemente reivindicado “Terremoto”, quien fallecería a causa de un cáncer. Capítulo aparte merece el gran Owen Hart, de “La Fundación del Corazón”, cuya muerte en directo circulaba por Internet hasta hace poco. Al parecer el dispositivo de seguridad falló mientras realizaba un ejercicio arriesgadísimo, por lo que cayó al vacío desde unos quince metros. Una lástima. Ese tándem junto a  Jim “The Anvil” Neidhart siempre fue de mis favoritos.

Hay muchas más historias sobre estos personajes, mezcla de gladiadores y bufones de corte, pero es demasiado largo para contarlo en una sola entrada. Además, a la mayoría de ellos los he olvidado... Con todo, o a pesar de todo, debo darles las gracias por los buenos ratos que me hicieron pasar… 

¡Gracias por tanto!

El Rompenieves

Ilustro la entrada con las portadas que la editorial Bang! realizó para la edición española de “El Rompenieves 1” y “El Rompenieves 2 y 3”, porque son chulísimas. Desde luego bastante más que las de la versión original francesa de 1982. La serie de “El Rompenieves” –en Francia “Le Transperceneige”- está compuesta de tres episodios titulados “El Fugitivo”, “El Apeador” y “La Travesía”, siendo considerada una obra de referencia en el mundo del cómic. Claro exponente del movimiento que se desarrolló en el seno de la historieta francesa en los años setenta y que se caracterizaba por la utilización de la ciencia-ficción como vehículo de denuncia social.

El punto de partida es un mundo desolado a causa de los efectos del cambio climático. Muy actual como veréis. Todo el planeta está cubierto de nieve y padece temperaturas cercanas a los ochenta grados bajo cero, por lo que se hace imposible vivir en el exterior. Los últimos supervivientes de la raza humana se encuentran recluidos a bordo de un gigantesco tren en constante marcha. Dentro del mismo se ha desarrollado una estratificación social en la que las clases bajas malviven en los vagones de cola, mientras que las élites ocupan los lujosos vagones delanteros. En este contexto, el primer episodio cuenta como un vecino de los barrios bajos consigue llegar a la zona noble, ocasionando un desbarajuste en el reglado sistema impuesto por los mandamases del tren. Comienza así una especie de odisea personal, en busca de no se sabe bien qué. Aunque lo más interesante es como la historia del fugitivo nos permite ver reflejadas todas las miserias de la humanidad. Muy especialmente las que tienen que ver con las barbaridades que los hombres somos capaces de perpetrar contra nuestros congéneres.

En los siguientes episodios la acción se traslada hasta otro escenario: Un nuevo ferrocarril más espacioso que responde al nombre de “El Rompehielos” y que refleja las mismas desigualdades. Este tren además tiene apeadores. Una nueva casta nacida en esta sociedad post-apocalíptica sobre raíles. Se trata de un cuerpo especializado encargado de bajar a tierra firme en busca de objetos importantes para la supervivencia. Para ello, la locomotora goza de mecanismos para detenerse sin poner en riesgo la vida de los pasajeros. Con todo, siempre existe el riesgo de chocar frontalmente con “El Rompenieves” protagonista de la primera parte, o con alguno de los vagones que este fue soltando. En la última parte asistimos a como la sociedad ferroviaria, viéndose en peligro por circunstancias que no desvelaré, emprende un largo viaje a través de los hielos eternos persiguiendo una señal. Confiando en que esta les lleve al encuentro de otro grupo de supervivientes. Solo añadiré que sin ser lo peor de lo peor, el final no es como para tirar cohetes.

La primera parte fue parida por el genio de Jacques Lob, uno de los más grandes historietistas que ha dado Francia, que es mucho decir. Y se nota. Con esto cerraría una trayectoria inmaculada, ya que falleció al poco de acabarla. Es por eso que la segunda y tercera parte fueron escritas por Benjamin Legrand. Siendo el dibujante de los tres episodios Jean-Marc Rochette. Y la diferencia de calidad entre los tres es más que evidente. El primero es una obra maestra incontestable. De obligada lectura para todos aquellos que estén mínimamente interesados en el mundo del octavo o noveno arte (nunca me aclaro con esto). La segunda y especialmente la tercera no es que sean una caca, pero bajan claramente el nivel. De hecho, si pasaras de ellas tampoco supondría un drama. Aunque bueno, si quieres conocer como acaba esto...

El Creacionismo (o Juan Manuel se viste de Prada)

Los creacionistas son un heterogéneo grupo de majaras que basándose en dogmas religiosos establecen que tanto la Tierra, como todos los seres vivos que la pueblan, provienen de un acto de creación llevado a cabo por un ser divino. En los últimos tiempos, se han agrupado en colectivos de carácter pseudo-científico para militar contra las teorías de la evolución. “¡El hecho evolutivo no existe, sólo existe el acto de Dios que nos ha creado con un propósito determinado!” “¡La ciencia ha muerto, viva Dios!” Hay que ser cenutrio.

Yo pensaba que estas modas nos eran ajenas y sobre todo lejanas. Movimientos propios del país de las barras y estrellas, en dónde surgieron -¿Cómo no?- y que de tanto en tanto se cuelan en los informativos patrios a resultas de alguna ridícula campaña para impedir la enseñanza de las teorías de Darwin en escuelas o Universidades. Sin ir más lejos, en los últimos días hemos conocido que la candidata republicana a la vicepresidencia de los EEUU, una tal Sarah Palin, es ferviente militante de estas doctrinas. Llegando a imponer la censura de determinados libros en las bibliotecas del villorrio alaskeño del que fue alcaldesa durante ocho años. Un cromito la señora.

Pues mira tú por donde que ya les tenemos aquí. Y como toda tendencia proveniente de los EEUU, ha iniciado su expansión a lo grande. Ya el año pasado la oscarizada actriz francesa Marion Cotillard, nos dejó a todos con la boca abierta cuando en rueda de prensa y sin venir a cuento, soltó una retahíla de chorradas creacionistas que luego ha continuado repitiendo en diferentes lugares. Pero ahora nos toca más de cerca. Cual mancha de fuel vertida por el Prestige, aquellos “pequeños hilos de plastilina” han alcanzado nuestras costas a través de diversas personalidades de la cultura. De la cultura facha, se entiende, siendo su primera víctima el periodista, escritor y crítico cinematográfico Juan Manuel de Prada. Este apologeta de la crispación -pero buen escritor, hay que joderse- se ha sumado a la causa, pringándose de la cabeza a los pies de chapapote creacionista. ¿Qué no os lo creéis? Pues echadle un ojo a este artículo publicado por el XL Semanal. No tiene desperdicio.

Y si no continúo hablando de este gordo decadente, afectado y pedante, es porque el menda se merece toda una serie de UN PAÍS DE IMBÉCILES para él sólo. Próximamente en las peores librerías.

Agur.

Leningrad Cowboys Go America

En mi reciente viaje por Dubrovnik y alrededores, mirando carteles de conciertos en una extraña tienda musical, me topé con uno de los Leningrad Cowboys, combo de frikis finlandeses con una estética ciertamente peculiar. Amantes del vodka, los tractores y el rock, aunan dentro del mismo repertorio canciones propias, junto a versiones y adaptaciones de Led Zeppelin o Tom Jones. Eso y toda una seguida de elementos propios del folclore tradicional ruso y finlandés.

La banda se dio a conocer gracias a la coproducción sueco – finlandesa “Leningrad Cowboys go America”, escrita y dirigida por Aki Kaurismäki y estrenada en 1989. Una cinta que, con el devenir de los años, se ha convertido en una película de culto -¡otra más!-, como buena parte de la producción de este hombre. De hecho, el propio Kaurismäki se reclama como el principal fan del grupo, para quienes escribió esta película y también su secuela, “Leningrad Cowboys Meet Moses” (1994), además de filmar uno de sus shows en directo –“Total Balalaika Show”(1994)- y varios vídeos musicales.

La película en sí, es una sucesión de gags repletos de ese humor negro y a la vez absurdo tan presente en la filmografía del director finés. Todo transcurre en el marco del viaje que los Leningrad Cowboys, un grupo de músicos rusos en la peli, van a emprender por los territorios de la América profunda en busca de fama y fortuna. El viaje debe finalizar en México, donde tienen contratada su única actuación, como orquesta durante la celebración de un matrimonio. Además de los músicos y el mánager, irá con ellos un colega fallecido, o casi, congelado y en un féretro junto a su guitarra. Les seguirá los pasos un chico que desea entrar en la banda.

La gracia de ver a estos tipos horteras, con sus súper tupés y botas de puntera gigante, adaptando sus canciones a cada uno de los lugares en los que les dejan tocar, o el simple hecho de oírles pronunciar ese inglés con acento macarrónico, hace que los ochenta minutos que dura la película pasen con una sonrisa en la boca. 

Al final “Leningrad Cowboys go America” es una genuina road movie en tono de comedia y bizarra como ella sola, cuya principal pretensión es que nos divirtamos lo máximo posible. ¿Acaso no debería ser ese el principal cometido del cine? Cierto que no debemos pasar por alto la fuerza visual de muchas de las escenas, de tintes surrealistas, tan bien filmadas por este geniecillo que llegó del frío. Resaltar la potencia de los silencios y las miradas, aspectos fundamentales aquí y en general en toda la obra de Kaurismäki, independientemente de si el formato es la comedia, la tragedia o hasta el musical.

Como anécdota destacar el cameo de Jim Jarmusch, buen amigo suyo, en el papel del vendedor de coches de segunda mano.

Richard Serra en el Guggenheim Bilbao

Aprovechando que este puente lo pasé en el puto Bilbao por motivos que no vienen al caso, me di un garbeo por el principal reclamo de la ciudad del Nervión junto a San Mamés y los bares de pintxos del casco viejo. Me refiero al museo Guggenheim, of course. Me dio rabia no poder disfrutar de la expo de mi admirado Juan Muñoz, en fase de desmontado justo el día que yo anduve por allí, por lo que me dediqué a circular entre los enormes espirales metálicos que componen “La memoria del tiempo”, del norteamericano Richard Serra. Que no es mal consuelo, revisitar el calificado por el propio artista como su proyecto más importante, vaya. La instalación, que ocupa la sala más grande de la institución bilbaína, también es considerada por los especialistas como la más ambiciosa dentro del vocabulario formal que viene desarrollando Serra durante los últimos veinte años. Constituye asimismo la adquisición más importante del museo desde su apertura en 1997.

Muy recomendable alquilar la audio guía que, al menos en la versión castellana, utiliza la voz de Constantino Romero. Así es como el conocido presentador me condujo por esas siete estructuras, tirando de datos y anécdotas que hacen del paseo una experiencia mucho más educativa y agradable. La obra es monumental y está compuesta por altísimos muros de acero ligeramente inclinados. Dispuestos en forma de elipse o espiral, a veces concéntrica, otras laberíntica, pero siempre dibujando trayectos que se pueden penetrar, recorrer y explorar al ritmo que decidas. El propio autor indicó en la inauguración que ésta había de “ser activada y animada por el ritmo del movimiento del espectador”. 

Parte de la colección permanente del Guggenheim Bilbao, es considerada como un “museo dentro del propio museo” de visita obligatoria para quienes visiten la capital de Vizcaya. Doy fe de ello.

La jungla polaca

“La jungla polaca” es el último libro del gran reportero polaco Ryszard Kapuscinski que ha llegado a nuestras librerías. Publicado originariamente en 1962, narra a través de relatos independientes, sus andanzas por una Polonia devastada por la guerra. Escrito entre medias de aquellos viajes africanos de los que di buena cuenta por aquí, el autor se adentra en las profundidades de su país para recoger un valioso testimonio de supervivencia que prescinde del tono optimista del realismo socialista.

Los veintiún reportajes de los que se compone son un referente de aquello que se vino a llamar “literatura de los hechos”, que no es sino la conversión del reportaje periodístico en literatura. Por ese motivo, no es difícil entender que este debut suscitara tamaño interés entre público y crítica. Hasta el punto de fijar los focos sobre el considerado a la postre como el mayor periodista del Siglo XX.

El propio autor contaba que el libro fue escrito entre las décadas cincuenta y sesenta del siguiente modo: “Volví a Varsovia. Debía preparar una nota relatando lo que había visto en el Congo. Describí la lucha, el desmoronamiento, la derrota. Al hacerse pública, recibí una convocatoria para comparecer ante un camarada del Ministerio de Asuntos Exteriores. "¿Qué demonios ha escrito? -me espetó, indignado- ¡Llamar anarquía a la revolución! (...) Lo lamento -me dijo el camarada dando por terminada nuestra conversación-, pero usted no sirve para hacer de corresponsal en el extranjero, porque no entiende los procesos marxista-leninistas que se desarrollan en aquellas partes del mundo.” “De acuerdo -me mostré conforme-, aquí también tendré de qué escribir.”

Entre los textos incluidos merece una mención especial “El rapto de Elzbieta”, que además es el más célebre. Y es que, al denunciar determinadas prácticas de la Iglesia polaca, llegó a desaparecer de algunas ediciones. Según parece algunas campesinas metidas a monjas se habían sentido dolorosamente retratadas.

“-¿Qué me trae usted? Y yo no llevaba nada. Ni más palabras, ni objeto alguno. Para verla, había viajado en tren, atravesado el bosque hundido en la nieve hasta las rodillas, golpeado con insistencia la puerta del monasterio y cuando por fin me hallaba ante la alta reja, tan sólo tenía una pregunta, que además ya había hecho y que, sin provocar resonancia alguna, había sido celosamente guardada en los rígidos pliegues del hábito. Por eso contesté: -A decir verdad, no sé. Quizá tan sólo el grito de dolor de su madre.”

Imágenes de Bosnia - Herzegovina

Acabo de leerme del tirón “Gorazde: Zona Protegida”, del periodista e historietista norteamericano Joe Sacco. Y tengo que decir que me ha gustado mucho. Es una novela gráfica que habla de las atrocidades cometidas por las fuerzas serbo-bosnias en enclaves de la Bosnia oriental. Precisamente aquellos en los que se produjeron las mayores matanzas de musulmanes durante la Guerra de los Balcanes entre los años 1992 y 1996 y en donde, sorprendentemente, la ONU y los medios internacionales prestaron menos atención. Sacco se basa en los recuerdos y las opiniones de los residentes en Gorazde, municipio del cantón de Prodinje Bosnio, al este del país.

Para ello, Sacco se desplazaría hasta allí a comienzos del año 1996, casi al final del conflicto. En su estadía se dedicó a entrevistar a los escasos moradores de un enclave que contaba con 25.000 habitantes al comienzo de la guerra. Y con ello traza un relato de supervivencia. El de los bosniacos residentes en el valle del Drina, en poblaciones como esta, pero también Visegrad, Zepa, Rogatica o esa Srebrenica de infausto recuerdo para todos nosotros.

A través de un dibujo hiperrealista y empleando únicamente el blanco y negro, Sacco nos muestra los padecimientos de un pueblo sometido a las purgas del ejército de la autoproclamada República de Sprska durante tres años largos. Los violentos bombardeos, las hambrunas y los periodos de carestía que marcaron a todas las personas allí sitiadas. Cómo tras la firma de los Acuerdos de Dayton, aquellos que pusieron fin a la guerra, esos ciudadanos musulmanes comprenderían que habían sobrevivido y se abría ante ellos un nuevo panorama, incierto, pero nunca peor que el soportado. 

Como comenta el propio autor, este libro “es tanto la historia de la práctica muerte de una ciudad como la historia de los primeros nuevos pasos de una ciudad hacia la vida”. Un relato claustrofóbico en el que Joe Sacco es capaz de transcribir el horror de la guerra en un rincón olvidado de Bosnia, alejado de las cámaras de televisión. Y vaya si lo consigue. Magistralmente.

En relación a lo anterior, mencionar que este verano pude visitar otro enclave bosnio castigadísimo en esta guerra entre hermanos: la ciudad de Mostar. Exceptuando el entorno del famoso puente de Mostar, rehabilitado para suerte de todos, el resto de la ciudad presenta decenas de edificios en ruinas y otros que se mantienen milagrosamente en pie, repletos de cicatrices en forma de agujeros de bala y piezas de artillería. Y eso en Mostar, no hablemos ya de las pequeñas poblaciones de su entorno en las que pululan refugiados de un sitio para otro vendiendo frutas o cacharrería para turistas. 

The Posies - Valencia 02.10.08

En el mundo de la música se imponen nuevas modas. Una de las últimas es la celebración de conciertos nostálgicos. Aquellos en los que veteranos de la escena reinterpretan sus discos clásicos o los sacan a pasear tal cual fueron concebidos originalmente. A eso último se han apuntado los Posies, embarcados en una gira que los llevará por diez ciudades españolas, incluyendo Valencia, dedicada a revisar los cortes de su trabajo más emblemático, el “Frosting on the beater” de 1993. Según cuenta Ken Stringfellow, cofundador de esta banda formada en Seattle a finales de los ochenta, el motivo de la gira se debe a que “nos dimos cuenta de que ese álbum cumplía 15 años, nosotros 20 como banda y nuestro sello en España, 10; nos lo ofrecieron y decidimos aceptar; no me gusta mucho la nostalgia y, claro, ese álbum no es mi favorito de la banda, pero entiendo que significó mucho para mucha gente; va a ser emocionante y osado”.

La verdad es que volver a escuchar el goloso sonido de The Posies siempre apetece. Más ahora que la banda ha dejado de ser una prioridad para sus miembros, con proyectos paralelos que ocupan la mayoría de su tiempo. Porque los años no pasan en balde para nadie y tanto Stringfellow como su amigo Jon Auer han sufrido una clara evolución y no sólo en lo musical. De hecho, en las horas previas al evento y mientras disfrutábamos de un bocata y unas cervecitas en un bareto frente al Greenspace, apareció un irreconocible Ken Stringfellow. Y cuando digo irreconocible, creedme. La mitad de lo que era antes, cuando tampoco es que nunca fuera un fortachón. Asemejaba a un secundario de “La Novia Cadáver” y con eso lo digo todo. Más impactante fue la puesta en escena de Jon Auer, por motivos opuestos. El menda se debería mirar lo de su peso. Y no es que antes fuera una sílfide, pero joder como se ha puesto de gordo el cabrón. Parecía un luchador de sumo con melena.

Ya hablando del concierto que es lo que importa, decir que no pasará a los anales de la historia, ni falta que hace. Porque sería injusto menospreciar el esfuerzo por interpretar dignamente canciones como “Dream all day”, “Solar Sister” o “Flavor of the month”. Tres de las mejores de su amplio repertorio y que probablemente no habrían tocado en directo desde hace años. Más o menos en eso consistió el show, hora y media largas de powerpop, buenas melodías y nostalgia noventera. Demostrando que los doce cortes que conforman tan icónico disco no han perdido un gramo de fuerza quince años después.

Un par de cuestiones aún antes de terminar. Me alucina la capacidad de salivar del señor Stringfellow. Y lo digo en serio. El tipo se pasó la noche lanzando gargajos a diestro y siniestro. Sí, ya me sé las probables causas de tan odiosa capacidad, pero aun así fue exagerado. Hasta el punto de que el bajista no se atrevió a acercarse a él por miedo a recibir un gapo. O quizás para no resbalarse con tamaña cantidad de líquido corporal esparcido sobre el escenario. La segunda es para reflejar una de las estampas más peculiares -por no decir cutres- que jamás haya presenciado en un evento de estas características. Y es que justo después de terminar el último tema, nos dirigimos raudos hacia el stand habilitado para la venta de cedés, vinilos y merchandising. Como llevábamos algo de prisa y queríamos echar un vistazo antes de marchar, llegamos bien colocados en el grupo de cabeza. Que no los primeros. Y es que la extraña pareja fue capaz de dejar sus instrumentos, sortear el mar de saliva generado por el flaco Stringfellow y correr hasta el stand más rápido que nosotros, que sólo estábamos a diez metros. Y con eso nos topamos, con Auer y Stringfellow tras el expositor haciendo aspavientos y salpicando a todo bicho viviente con sus efluvios corporales. Al estilo vendedora gitana de mercadillo, cedés en mano… “quemeloquitandelajmanoooo!!!”. La escena será recordada por muchos como uno de los episodios más bizarros jamás vistos. Una historieta del “gordo y el flaco” en vivo y en directo, y a todo color. Obviamente al final no tuvimos tiempo de mirar nada. 

A pesar de esto último, tengo que reconocer que el concierto fue bastante decente. Los Posies nos hicieron pasar un buen rato. Y quién sabe si era la última oportunidad de escuchar en directo a una de las bandas de rock más importantes e influyentes de los noventa. Supongo que no. Aunque solo el tiempo nos lo dirá.